Näytetään tekstit, joissa on tunniste kuvataide. Näytä kaikki tekstit
Näytetään tekstit, joissa on tunniste kuvataide. Näytä kaikki tekstit

perjantai 12. lokakuuta 2012

Uudenlaisia elämyksiä

Olin eilen ensimmäisissä sitseissäni, Makulan (Maailman kulttuurien laitoksen) järjestämissä yhteissitseissä, ja oli ehkä hauskin ilta ikinä! Tapasin sekä vanhoja kavereita että sain uusia, nauroin kyyneleet silmissä, lauloin ääneni käheäksi ja, no, olin loppuillasta aivan tuhannen lärvit, mutta sehän kuuluu sitsien henkeen. :D Erityisen kivaksi illan teki se, että olin jo pari viikkoa ehtinyt panikoida kaikkea mahdollista kyseisiin juhliin liittyen, mutta pelkoni osoittautuivatkin turhiksi. Ehkä voisin jo lopettaa tämän sosiaalisten tilanteiden pelkäämisen, kun kaikki menee yleensä kuitenkin hyvin.

Sitsailun ohella olenkin lähinnä vain yrittänyt päntätä ensi viikon tentteihin ja siivota kaappeja kaikesta turhasta. Makuuhuoneen nurkassa odottaa kiitettävä kasa vaatteita huuto.nettiin laitettavaksi, kunhan vain saan senkin aikaiseksi. Tekisi hirveästi mieli heittää kaikki turha tavara pois ja sitten sisustaa kotia, täällä kun on kaikki niin kesken, vaikka olenkin asunut nykyisessä asunnossani jo yli vuoden. Eniten ärsyttää nämä likaisenvalkoisenharmaat seinät, joita en ole jaksanut maalata. No, kuulemma hitaasti hyvä tulee.

Löysin muuten sattumalta yhden aivan loistavan ihanan leffan. Ranskan kurssia varten piti nimittäin katsoa jokin ranskankielinen elokuva ja tehdä siitä pieni kirjoitelma. Muistin, että minun on jo pieni ikuisuus pitänyt katsoa belgialais-ranskalainen elokuva nimeltä Séraphine, joka perustuu taidemaalari Séraphine Louis'n (taiteilijanimeltään Séraphine de Senlis) elämään. Oikeastaan elokuva ei juurikaan kuvaa Séraphinen elämäntarinaa, vaan keskittyy hänen luomisprosessiinsa - ja hyvä niin, koska nimenomaan se teki kyseisestä elokuvasta niin mielenkiintoisen ja voimakkaan.


Séraphine Louis (1864-1942) oli köyhä siivooja ja pyykkäri, joka eli koko elämänsä pienessä ranskalaisessa maalaiskylässä. Elokuvassa hänet kuvataan keski-ikäisenä, homssuisena ja hiljaisena naisena, jossa ei ulkoisesti arvaisi olevan mitään poikkeuksellista. Mutta hänen sisällään palaa kiihkeä luomisvimma, jota hän purkaa maalaamalla pienessä huoneessaan halvoille materiaaleille itse valmistamillaan väreillä. Hän ei maalaa rahan tai maineen takia: itse asiassa kukaan ei edes tiedä hänen tekevän taidetta.


Eräänä päivänä kylään saapuva taidekeräilijä Wilhelm Uhde törmää sattumalta Séraphinen maalauksiin. Hän huomaa Séraphinen lahjakkuuden ja lupaa auttaa Séraphinea saamaan maalauksensa Pariisin gallerioihin. Mutta ensimmäisen maailmansodan ja suuren pörssiromahduksen takia Uhde joutuu hautaamaan suunnitelmansa ja lähtemään Ranskasta. Hän kuitenkin palaa kolmentoista vuoden jälkeen, ja hämmästyksekseen saa tietää Séraphinen yhä maalaavan. Tällä kertaa hän pystyy täyttämään lupauksensa, ja Séraphine saa tunnustusta taidepiireissä.


Séraphine ei kuitenkaan itse pääse nauttimaan työnsä hedelmistä. Hän ei osaa pitää huolta saamistaan rahoista, ja hänen mielenterveyden ongelmansa, jotka ilmeisesti ovat olleet läsnä koko hänen elämänsä ajan, pahenevat psykoosiksi. Séraphine eli elämänsä kymmenen viimeistä vuotta mielisairaalassa.


Elokuva on rytmiltään hidas ja mietiskelevä, ja antaa kauniisti tilaa Ranskan maalaismaisemille ja Séraphinen hiljaiselle kiihkolle. Yolande Moreau tekee häkellyttävän hienon suorituksen syrjäänvetäytyvänä mutta luomisvoimaisena taiteilijana. Ja tietysti elokuva tekee hienon työn nostaessaan esiin unohdetun maalarin, joka olisi toisenlaisissa olosuhteissa saattanut nousta yhdeksi suurimmista ranskalaisista taiteilijoista. Itsekin innostuin Séraphine de Senlis'n taiteesta nähtyäni tämän elokuvan.





Séraphine de Senlis'n maalaukset ovat täynnä värikylläisiä kukkia, puita ja hedelmiä. Ne ovat kuitenkin kaukana rauhallisista asetelma- tai maisemamaalauksista, vaan taiteilija tuntuu maalanneen esiin elämän ikuisen voiman, joka läpäisee pienimmätkin ja herkimmätkin kasvit. Séraphinen maalaukset kuhisevat ja kihisevät elämää - kukat ja hedelmät ovat kuin kiemurtelevia toukkia ja hyönteisiä, jotakin floran ja faunan sekaista tuntematonta, uutta elämänmuotoa. Ne tuntuvat imaisevan katselijan sisäänsä pyörryttävällä voimallaan.

lauantai 6. lokakuuta 2012

Helene!

Ateneumissa on 14.10. asti esillä Helene Schjerfbeckin (1862-1946) juhlanäyttely, jossa on esillä yli 300 teosta Schjerfbeckin yli 70-vuotisen uran ajalta. Näyttely oli, kuten saattoi odottaakin, häkellyttävän kaunis ja hienosti ripustettu, mutta laajuutensa takia myös melko uuvuttava. Oman väsyttävän lisänsä antoi ihmistungos, joiden takia lempitaulujensakaan edessä ei jaksanut viivytellä kovin kauaa, kun remuavat eläkeläisjengit riekkuivat korvanjuuressa. Näyttely on kuitenkin viimeisen viikon auki pidennetyillä aukioloajoilla, joten jos sen aikoo katsastaa, kannattaa valita vähän myöhäisempi aika.

Näyttely alkaa Schjerfbeckin 1880-luvun realismin tyylisuuntaa edustavilta historia-aiheisista maalauksista. Niissä kuitenkin näkyy jo nuoren Helenen kiinnostus nimenomaan yksilön, usein naisen tai lapsen, kuvaamiseen. Samoin kiinnostus muotokuvien ja asetelmien maalaamiseen oli jo syttynyt. Kävin melko nopeasti läpi nämä historia- ja uskonnolliset maalaukset sekä Helenen Ranskan-vuosien naturalistiset maalaukset, ja siirryin 1900-luvun alkuvuosikymmenien teoksiin. Tässä vaiheessa Helenen ilmaisu muuttui ulkoisesti yksinkertaisemmaksi, mutta tunteeltaan syvemmäksi. Väripinnat kasvoivat tasaisiksi ja suuriksi, ja Helene raaputti ja hioi öljymaalaustensa pintaa poistaakseen kiillon ja luodakseen utuisia, hehkuvia pintoja.

Helene Schjerfbeck: Sirkustyttö, 1916

Helene Schjerfbeck: Punaiset omenat, 1915

Kiehtovinta oli seurata Helenen omakuvien sarjaa läpi vuosikymmenten. 1880-luvun omakuvien rusoposkinen tyttö muuttui vähitellen yhä kulmikkaammaksi ja värittömämmäksi. Valitsemistani kuvista kolmessa ensimmäisessä (1884-1885, 1912 ja 1915) Schjerfbeck on pukeutunut vaaleaan, hänen hiuksensa ovat kiharat ja hieman kurittomat. Vaikka omiin ajatuksiinsa vaipuneen Helenen katse suuntautuu katsojan ohi, poskilla, huulilla ja korvilla palaa kuitenkin sisäisestä palosta kertova puna.

Helene Schjerfbeck: Omakuva, 1884–1885


Helene Schjerfbeck: Omakuva, 1912

Helene Schjerfbeck: Mustataustainen omakuva, 1915



Neljännessä ja viidennessä omakuvassa (1934 ja 1937-44, josta löysin vain huonolaatuisen kuvan) väri on paennut taiteilijan kasvoilta ja vaatteista. Viidennessä kuvassa väriä ei ole enää edes taustalla, vaan ainoastaan enää pikku hiukkanen paletilla. Eniten on valkeaa ja sinistä, hengen ja aineettoman värejä (sekä samaan aikaan itsenäisyyttään puolustavan Suomen värejä), räiskyvää keltaista enää vain hiukkanen, ja intohimon punaa niin vähän, että sitä tuskin huomaa.

Helene Schjerfbeck: Omakuva, 1934
Helene Schjerfbeck: Omakuva paletteineen, 1937-44
Punatäpläisessä omakuvassa ennen niin räiskyvää luovuuden punaa on vain pieni häivähdys huulella. Taiteilija on enää mustapukuinen, hiukseton, luurankomainen hahmo, joka näyttää lähes läpinäkyvältä. Helenen viimeiseksi jääneessä omakuvassa jäljellä ovat vain karut hiilellä piirretyt ääriviivat. Läsnä ovat enää musta ja valkoinen, kuoleman ja ikuisuuden sävyt.

Helene Schjerfbeck: Punatäpläinen omakuva, 1944
Helene Schjerfbeck: Omakuva, valoa ja varjoa, 1945
Erityinen sensaatio oli tietysti ennen tuntemattoman Schjerfbeckin teoksen löytyminen toisen maalauksen alta. Molemmat olivat loppuun asti tehtyjä, mutta jostakin syystä Schjerfbeck oli päättänyt peittää nyt löytyneen maalauksen ompelemalla myöhemmän maalauksen aiemman päälle. Tämä herätti heti mielenkiintoni ja kyseinen mysteeri jäi kummittelemaan tajuntaani. Mielestäni vanhempi, äitiä ja lasta kuvaava teos on merkittävämpi kuin myöhempi Raaseporin maisema. Varmasti Schjerfbeck, niin kuin useimmat ajan taiteilijat, maalasivat toisinaan vanhan teoksensa päälle uuden, varsinkin kun talous oli tiukilla tai materiaaleja ei jostain syystä saanut. Tai jos vanha teos ei miellyttänyt, se oli helppo hävittää. Mutta miksi ommella uusi teos vanhan päälle? Schjerfbeck selvästi piti vanhaa maalausta säilyttämisen arvoisena, mutta halusi jostain syystä peittää sen. Miksi?

Miksi Helene Schjerfbeck piilotti tämän maalauksen?
Kun näin tämän teoksen näyttelyssä, tiesin kyllä, miksi itse piilottaisin kyseisen maalauksen, jos olisin sen tekijä. Tuon lapsen katse nimittäin tuntuu sisältävän tuhat tunnetta ja kysymystä. Se on hyvin voimakas, se tunkee läpi ja vaatii. Ehkä lapseton Schjerfbeck ei kestänyt tätä katsetta, muttei voinut sitä tuhotakaan.